最终回应论文 本周的第一节课重点讨论了视觉系（Visual Kei）和涩谷系（Shibuya Kei）。暂且抛开音乐不谈，在一个上世纪80年代和90年代就存在于日本文化中的性别流动现象，着实令人意外。根据我的观察，美国文化直到2015年同性婚姻在全国合法化之前，才对LGBT理念有统一的支持。在学习视觉系时，我好奇这个流派是否可以被明确地指出是日本文化输出的影响，因为历史上日本文化曾大量输入。在整个课程中，我一直在探讨我们所讨论的音乐流派及其前身，或者日本历史影响的根源。对于视觉系，正如您在课堂上提到的那样，无疑是歌舞伎（Kabuki）中的女形（Onnagata）。我一直在思考一个有趣的对比，那就是在女形表演的歌舞伎剧场中，观众在性别方面是平等的。

然而，正如您和麦克劳德（McLeod）的阅读材料所强调的，视觉系的赞助者和粉丝主要是女性。对于这一观察，我尚未得出任何决定性的结论。但我很好奇，日本男性文化中发生了什么变化，导致视觉系赞助中出现了这种不平等现象。或者，我认为同样有可能的是，一旦视觉系作为一个流派站稳脚跟，它就被市场化并针对女性受众进行营销。在听觉上，视觉系唤起了我熟悉的音响。例如，Malice Mizer 的**《Ma Cherie》开场让我想起了《超级马力欧64》****原声带中的《Inside the Castle Walls》，而Versailles的《Masquerade》则让我想起了《进击的巨人》。在课程进行到这个阶段，将日本音乐文化与漫画/动画联系起来是意料之中的事。然而，视觉系音乐竟然唤起了我对《超级马力欧64》**原声带这样充满怀旧感的个人体验，这着实是一个惊喜，并迫使我重新思考我在童年和青春期消费了多少日本文化。

涩谷系对我来说是一个难以投入的流派。当我们讨论涩谷系作为一种“精英”音乐风格，与视觉系相比时，我发现自己与雅乐（Gagaku）对俗乐（Hogaku）的看法相似。虽然我可以将雅乐定义为一种“需要培养的品味”，但我对涩谷系很难保持积极态度。我对涩谷系的理解是，它吸收了法国和欧洲音乐文化中的爵士乐/巴萨诺瓦（bossa nova）元素。我对这种音乐流派的矛盾态度源于其表现形式。了解到涩谷系通常由“富二代”自费制作，这激起了我对豪门富裕阶层的个人偏见。我们在课堂上听到的涩谷系****歌曲的歌词复杂程度，与视觉系相比简直是可笑的。涩谷系在形体表现上所付出的努力也远不如视觉系。Flippers Guitar 的**《The Quizmaster》** 几乎试图将自己伪装成原创音乐，同时又带有某些 Monkees 音乐的翻唱元素，这让我觉得是虚伪的模仿。简而言之，涩谷系给我的印象是一种文化上令人困惑、敷衍了事、由与上层社会相关的年轻人进行的捞钱行为。鉴于涩谷系曾输出并在日本以外流行，我将以一种“求同存异”的态度对待这个流派，并愿意承认我可能对这个流派产生了错误的理解。

我们在课堂上探索的最后一个流派是融合爵士（fusion jazz）。这是我第一次接触爵士乐，无论是西方、东方还是其他形式。在课程开始时，我曾将早期融合爵士的“要点”定义为音乐家在更大的团体表演中，通过独奏来展示其能力的出口。以我们在课堂上听到的**《Native Son》为例，我可以指出表演的任何一点，并自信地识别其目的。但我在这段作品中难以识别的是日本文化的印记。回到《Native Son》的例子，缺乏歌词让这段音乐**对我而言具有文化中立性。

有趣的是，表演的视觉效果也无助于识别其“日本性”。服装、发型、面部毛发等个人风格选择，都与我在日本以外的同类音乐会中预期看到的没有什么不同。虽然这可能不是独特的日本声音或风格，但它确实展示了日本与“全球文化”在文化上保持同质性的能力。进入现代融合爵士，与早期融合爵士相比，我对“要点”的感觉更加模糊。这绝不意味着音乐不令人愉悦。然而，随着每个音乐家长时间独奏的取消，我失去了对现代爵士乐的理解。如果我根据我们课堂上有限的例子来推测，我会认为取消长时间独奏是为了让音乐更容易被普通听众接受。我在 Fox Capture Plan 的例子中确实发现了日本传统的狐狸面具意象，这呼应了能剧面具。虽然我无法仅凭听觉将音乐识别为日本的，但视觉线索在识别方面比早期爵士乐有了明显的改善。与早期爵士乐类似，我发现我们观察到的 Hiromi 的例子更接近早期爵士乐，因为在她的乐队表演中，每个音乐家都有独奏表演。对于 Hiromi，我发现自己无法完全令人满意地表达，我想这是因为您在课堂上提到的，爵士乐是为音乐家准备的音乐。她的风格中有一种我能看到但无法理解，更无法描述的技术精湛。这种感觉延伸到融合爵士乐的其他部分，我将以积极的态度结束对这种风格的讨论，并且很可能在未来继续聆听。然而，我无法果断地对此发表评论，因为我觉得这种风格超出了我简洁明了地表达的能力。

因此，我们的课程以一个简单的问题“什么是日本音乐？”结束了。这个问题的答案不是一个陈述，而是一场讨论。六周前，我可能天真地回答说它是起源于日本的音乐，或者是动画的配乐。我认为麦克劳德在**《视觉系：日本流行文化中的混杂性与性别》（“Visual Kei: Hybridity and Gender in Japanese Popular Culture”）中简洁地指出：“任何试图普遍性地描述几乎所有音乐风格或流派的声音的尝试，最终都注定会失败。”不愿接受注定失败的我，现在可以识别出这些答案在复杂性和细微差别上都严重不足。这个关于日本音乐的问题迅速蔓延，涵盖了整个日本文化**。有机会在几个世纪的音乐中被引导，帮助我理解文化不会凭空发生。我现在可以识别高雅文化和流行文化之间的区别和目的，这是我以前很少思考的问题。我现在有信心参与关于我们旗舰问题的辩论，并能够站稳脚跟。想到未来的讨论以及一旦我开始准确地谈论雅乐、俗乐、声明（Shomyo）、能乐（Noh）、歌舞伎（Kabuki）、文乐（Bunraku）、演歌（Enka）等，或者这些流派中包含的各种乐器时，随之而来的震惊，我也觉得很有趣。正如您在课程早期提到的，我们很可能比现代日本公民更了解日本的音乐史，这对我来说是一个令人兴奋的提议。更重要的是，您向我介绍了文化资本的概念，并展示了它的效用以及文化所拥有的“软实力”。

在音乐方面，我一直非常开放。通过自己的敏感性，我深入探索了摇滚/金属流派，并接触了海盗金属或矮人金属等小众分支。在我自主探索的过程中，我从未发现自己对某种风格感到排斥或负面，而是采取了“那不适合我”的态度。通过您精心挑选的例子，我将我的敏感性应用到了日本音乐上，这是我以前从未尝试过的。我发现了一种文化，它不仅输入了文化并试图使其成为自己的，而且还经历了通过隔离而形成的文化精炼，随后爆发性地实现了全球增长和影响。日本音乐与其文化交织如此紧密，以至于它既本地化又全球化，我现在无法将两者分开思考。在我的日常生活中，我现在意识到我一直是一个被动的消费者。通常只停留在“我喜欢这音乐吗？”并以二元方式回答。现在，我更多地问“为什么”的问题，并更深入地探究我熟悉的流派，以找到它们的根源和它们的前身。毫无疑问，我将在音乐之外，在艺术、美食、时尚等方面，寻找更多“高雅文化”的例子，因为我以前也通常只停留在“我喜欢这个吗”的二元问题上。

作为课程的总结，我获得了一种新的思维结构，用于处理未来的人文学科课程，特别是在确定文化产品的起源时。这门课始于日本本土音乐，但很快演变成一场全球文化对话，这让我感到惊喜。在课程中，我得到了许多答案，但集中的课堂讨论促使我提出了更多的问题，我相信我能独立找到答案。

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